Ouvert
accord à l’ouvert, un accord produit par les cordes ouvertes de violons, etc.
Overblowing
est la production sur un instrument à vent d’un de ses tons supérieurs à la place du ton fondamental. Overblowing est nécessaire dans tous les instruments à vent de l’orchestre, et les trous sonores, les touches, les valves, etc. ne sont là que pour combler les écarts entre les tons naturels. (Voir Overtones.) Une distinction est faite entre les instruments dans lesquels Overblowing ne produit que des harmoniques correspondant aux nombres inégaux de la série harmonique (comme premier, donc le douzième) et ceux qui donnent également les harmoniques répondant aux nombres pairs; à la première classe appartiennent la clarinette et les instruments qui lui sont associés, à la seconde, flûte, hautbois, cor, trompette, trombone, etc. Dans l’orgue, Overblowing est parfois intentionnellement produit, comme dans la flûte octaviante, mais il est plus fréquemment un désagrément désagréable lié à des butées de lip-pipe de mesure étroite (Gamba, etc.).
Overtones
(Aliquot Tones. Partial Tones; Sons Harmoniques), le nom donné à ces sons qui, dans leur totalité, forment un son musical (q.v.). Ils ont d’abord été signalés par Mersenne et expliqués par Sauveur (1701), qui a déjà souligné leur importance pour la connaissance des principes de l’harmonie. Rameau (1722) en a fait la base de son système musical. Les Overtones ne sont pas un phénomène simplement lié à la perception du son, c’est-à-dire qu’ils ne sont pas seulement perçus par l’oreille, mais ont une existence réelle, comme les sons qui ont donné leur nom aux sons. Le fait qu’ils n’aient pas été remarqués plus tôt peut s’expliquer par le fait que dans la plupart des couleurs clang (q.v.), ils sont plus faibles que le ton fondamental. La théorie mathématique explique la nécessité de la formation de O .; car il n’est pas possible de mettre les corps élastiques en vibration d’une manière si régulière qu’ils ne feront que de simples vibrations pendulaires. La forme composée de vibration qui se produit dans la production du son d’une corde, au moyen d’un arc, en plumant avec les doigts, ou en frappant au moyen d’un marteau, ou d’une colonne d’air dans un tuyau, ne peut être que mathématiquement représenté comme la somme des vibrations pendulaires d’une note fondamentale, et d’une série infinie de tons, qui (en termes de nombre de vibrations) répondent à de simples multiples du ton fondamental.
Ouverture
(Ital. Overtura), pièce d’ouverture, introduction, notamment d’un Opéra. Il n’y avait pas d’Ouverture. Dans les premières tentatives de drame musical, qui commençaient, en règle générale, par un prologue vocal ou directement par l’action; mais dans ceux où les instruments avaient le premier mot (pour permettre aux auditeurs de se rassembler et de se préparer), un madrigal a été sélectionné, qui a été joué au lieu d’être chanté, ou un court mouvement écrit dans le style madrigal (Orfco de Monteverde commence par un “Toccata” de neuf mesures, qui a été joué trois fois). La forme la plus ancienne de la vraie Ouverture, le français, ou Lully, Ouverture (voir Lully), montre clairement qu’il était dérivé de la musique vocale, en particulier dans ses première et dernière sections, qui étaient de mouvement lent, et ne possédait aucun des traits caractéristiques de la musique instrumentale; seule la section du milieu fugal, dans un ternpo plus vivant, était, dans une certaine mesure, de structure instrumentale. De nature tout à fait différente, l’introduction aux Opéras d’Alessandro Scarlatti: l’ouverture italienne ou, comme on l’appelait alors, Suifonia (un mot qui ne signifiait rien de plus que de la musique en plusieurs parties), commençant par un Allegro, suivit , en revanche, par un Grave, et, enfin, un deuxième Allegro ou Presto; son caractère était tout au long instrumental. L’ouverture ne doit être considéré que comme le précurseur de la symphonie moderne dans la mesure où il s’agit d’une des plus anciennes formes de musique instrumentale en plusieurs parties. La véritable première étape de la symphonie à plusieurs mouvements est plutôt le Concerto (Concerto grosso). Les ouvertures d’aujourd’hui peuvent être divisées en trois classes différant les unes des autres de manière fortement marquée,
(1) L¡ouverture en forme de sonate, qui a deux (ou même trois) thèmes de caractère différent; ceux-ci sont précédés d’une introduction courte et lente du caractère pathétique, et après une section de développement de plus ou moins grande ampleur, sont répétés (la section d’exposition répétée de la forme sonate fait donc défaut). Cette forme est respectée plus ou moins strictement dans les ouvertures de concert, ainsi que dans la majorité des ouvertures d’opéra non basées sur des thèmes de l’opéra.
(2) L’ouverture du genre pot-pourri, dont la seule forme consiste en un ensemble de thèmes tirés des plus grands numéros de l’Opéra, de forme plus ou moins complète, et arrangés en vue de l’intensité de l’effet , contraste également (Rossini, etc.).
(3) L’ouverture liée thématiquement à l’Opéra, mais modelé et arrondi selon les lois de la formation musicale; et cela peut aussi servir de ton-image (Prologue symphonique), que le compositeur développe les pensées dominantes de l’Opéra sous une forme concentrée, établit des contrastes qui sont réconciliés ou laissés sans réconciliation, ou s’il prépare les esprits de ses auditeurs pour la première scènes, c’est-à-dire l’exposition de l’œuvre. Les ouvertures de ce type sont assez modernes; ceux de Wagner et de ses disciples, et ceux de Schumann, Weber, voire Mozart et Beethoven.
